Harper's Bazaar

À l’occasion de la réouverture

des galeries de la mode rendue

possible grâce à la générosité

de Christine et Stephen A.

Schwarzman, le Musée des Arts

décoratifs a imaginé une exposition

sur un magazine de mode : non pas

une succession de photographies

qui y auraient été publiées,

mais une exploration historique,

artistique, poétique aussi,

de l’histoire du premier magazine

de mode fondé à New York,

en novembre 1867, titré « Harper’s

Bazar - A Repository of Fashion,

Pleasure and Instruction ».

Le sous-titre « Recueil de mode,

plaisir et instruction » inspire

jusqu’à aujourd’hui la construction

du magazine et guide le parcours

de cette exposition.

Recueil de Mode : c’est d’abord

l’occasion de montrer ce que

conserver une collection de mode

veut dire. Collecter et entretenir

des robes, prototypes de défi lé

ou robes de clientes exige

qu’on les documente et mette en

relation avec diverses sources

iconographiques afi n de les placer

dans la perspective de la création

de leur temps et souligner

leur valeur de chefs-d’œuvre.

Plaisir : explorer le magazine

comme on le feuillette librement,

en esquissant des périodes

ou des personnalités mythiques,

ou en s’attachant tout à coup

à un détail méconnu. C’est aussi

un jeu de piste. Pour chacune

des robes exposées sont rassemblés

divers croquis, photographies

de dépôt de modèle ou de défi lé.

Ces documents soulignent l’essence

graphique des créations de mode

qui souvent naissent d’un dessin

avant de s’inscrire dans le magazine.

Plaisir aussi de découvrir

que c’est dans Harper’s Bazaar

que sont produites et publiées

des photographies qui ont marqué

l’histoire de la mode.

Instruction : donner à voir comment

la mode s’épanouit en rapprochant,

dans une présentation

chronologique, des robes de leur

parution dans Harper’s Bazaar.

Voir comment la silhouette

s’y dessine, s’y imprime, pose,

se photographie en noir et blanc

puis en couleurs, s’anime,

gagne en esprit, en vie et en rêve

grâce aux illustrateurs, photographes

et aux choix des directeurs

et des contributeurs du magazine.

À la différence d’une revue

spécialisée, Harper’s Bazaar cultive

un intérêt généraliste. Son contenu

tout entier insuffl e la vie aux

silhouettes de mode. Littérature,

graphisme et art participent

à l’alchimie créatrice du magazine

qui porte jusqu’à nous une fi guration

sans précédent.

Harper's Bazaar

To mark the reopening of its fashion

galleries—made possible by the generosity

of Christine and Stephen A. Schwarzman—the

Musée des Arts décoratifs has decided

to develop an exhibition around a fashion

magazine. Rather than a selection

of photographs from back issues, the event

is a historical, artistic and poetic exploration

of the history of the fi rst fashion magazine,

founded in New York, in November 1867:

“Harper’s Bazar: A Repository of Fashion,

Pleasure and Instruction.”

The magazine has evolved around

the premise of its sub-title ever since, and

our exhibition was put together along

the same guidelines.

A Repository of Fashion: This is a prime

opportunity to show visitors what

the conservation of a fashion collection

entails. In order to collect and care

for dresses, designs for fashion shows

and custom pieces—and distinguish them

as masterpieces—they need to be

documented and associated with images

that contextualize them within the design

environment of their day.

Pleasure: We wanted visitors to explore

the history of Harper’s Bazaar as if they were

leafi ng through the magazine, discovering

key periods and legendary fi gures,

occasionally honing in on little known details.

The exhibition is also like a treasure trail:

each dress on display is linked to various

sketches, design patents, fashion show

photos—images that highlight the essentially

graphic nature of fashion, which generally

begins with a sketch before hitting

the glossies.

Instruction: The exhibition also demonstrates

how fashion has fl ourished, with a

chronological display of dresses that have

featured in Harper’s Bazaar. It shows how

“fashion fi gures” have evolved from

drawings to prints to posed photographs

in black and white then color, and how their

vibrancy and appeal depend on the skill

of illustrators and photographers,

on the choices made by contributors

and editors. Rather than a special interest

magazine, Bazaar covers a wide range

of fi elds; its rich content gives substance

and soul to the fashion plates. The magazine’s

creative chemistry stems from a blend

of literature, graphic design and art that

keeps it at the forefront of representation.

Diana Vreeland

In 1936, when Carmel Snow saw Diana Vreeland dancing in a Chanel dress at the St. Regis Hotel in New York, she felt compelled to invite her to write a column for Harper’s Bazaar! Entitled “Why Don’t You…?” it was published until the 1940s and provided a space where Vreeland could give free rein to her wild imagination and pithy sense of humor. She became fashion editor of Harper’s Bazaar in 1939 and had a major impact on the magazine’s photographic identity, contributing to the choice of models, accessories and shooting locations. Diana Vreeland discovered new

faces—including Lauren Bacall, in 1943—and opened up new horizons for fashion. Photographer Louise Dahl-Wolfe explored these new vistas, using color film to capture warm earth tones and tanned skin. This shift was in sync with the outdoor shots of sportswear and daywear from the American fashion collections that replaced Paris fashions in Harper’s Bazaar for the duration of the war. Vreeland’s love of sunlight may have influenced the fashion for jeans and bikinis! Colors inspired her with all sorts of slogans: the “Think Pink” sequence in the 1957 movie Funny Face, based on Harper’s Bazaar, might well have sprung from her own imagination.

Divination

Afin de se conformer à l’orthographe américaine, Bazar gagne un second A en 1929.

Les créations de Madeleine Vionnet élaborées, à l’instar des tenues antiques, à partir de formes géométriques simples, trouvent dans Harper’s Bazaar une mise en page à leur mesure. Les illustrateurs Reynaldo Luza, Dynevor Rhys, les photographes Adolphe de Meyer, Harry Meerson, puis George Hoyningen-Huene ou encore

Man Ray transcrivent la beauté classique et la sensualité inédite de ses créations issues d’un système de production très rationnel qui se sert de la photographie comme d’un outil.

Au milieu des années 1930, Harper's Bazaar adopte une esthétique surréaliste. Les créations d’Elsa Schiaparelli expriment une sensibilité pour l’étrange. Les couvertures de Cassandre agissent comme des rébus insolites, tandis qu’un monde de signes surgit des photomontages de Man Ray, qui réalise la première couverture photographique en 1937 : une main de femme posée sur un globe céleste.

Hiro

Le photographe japonais Yasuhiro Wakabayashi, dit Hiro, débarque à New York en 1954, où il devient assistant d’Avedon en 1957. Sous contrat avec Harper’s Bazaar entre 1958 et 1971, il expérimente de nombreux procédés avec une prédilection pour le grand-angle, les rétroéclairages au sol, les multi-expositions et les effets de flash et de nimbe. Jacques Henri Lartigue, présent sur un des shootings, en saisit le making of, montrant comment Hiro adopte des angles inattendus – en plongée abrupte par exemple. Hiro affranchit ainsi la silhouette de sa représentation traditionnelle en pied. Sur les vues en raccourci, les imprimés se fondent en une seule surface ornementale abolissant les limites du corps. Cette vision coïncide avec l’inspiration orientale et florale de la tendance hippy chic, folk ou psychédélique, et annonce aussi la déconstruction par les créateurs japonais.

À la faveur de la photographie de créations de haute joaillerie, Hiro aborde aussi le corps en gros plan. Distorsion, vision rapprochée, éblouissements répondent alors à la translucidité et à l’éclat des gemmes colorées.

Peter Lindbergh

From 1992 on, the magazine’s star photographer was Peter Lindbergh, whose mostly black and white photos contrast with the dazzling close-ups of the previous decade. Lindbergh liked to distance himself from his subject and create rich backdrops for his fashion shoots—in New York, on beaches, in the Far West… Laid out on the page by Fabien Baron, the results were true “fashion stories.” His portraits of super models were inspired by the elegance of the 1940s, by expressionist and realistic film styles; his 1994 photos of a barefaced Kate Moss in overalls recall a Steinbeck heroine or a portrait by August Sander, while his City of Angels story, featuring model and actress Amber Valletta, was inspired by the film Wings of Desire by his friend Wim Wenders. Lindbergh’s vision established New York as a fashion city with lingering traces of Mitteleuropa. The stark contrasts and asceticism of his work suited the austerity of Jil Sander, the minimalism of Helmut Lang. His timeless style rose above the dictates of fashion to define the aesthetics and attitudes of a whole generation.

Carmel Snow

The arrival of Carmel Snow (1887-1961) as editor-in-chief in 1934 was a landmark event in the history of the magazine. She hired the photojournalist Martin Munkácsi, whose snapshot-style photography introduced a breath of fresh air, capturing models in natural poses. With her passion for European culture, Snow built up a team including set designer Christian Bérard, designer-illustrators Marcel Vertès, Jean and Valentine Hugo, Marc Chagall, Raoul Dufy and Leonor Fini. Harper’s Bazaar became a magnet for the Paris smart set: Kees Van Dongen, Jean Cocteau, Elsa Schiaparelli, Salvador Dali, Colette, Gertrude Stein and Janet Flanner (a correspondent for the

New Yorker who went by the pen name

“Genêt”). According to Richard Avedon, Carmel Snow was “the first to create this blend of arts and the best of photographs, the best of class and quality.”

When she hired Alexey Brodovitch as art director in 1934, Harper's Bazaar acquired a unique intellectual and visual identity. Carmel Snow, who dedicated the magazine to

“well-dressed women with well-dressed minds,” was given a front-row seat at the Paris fashion shows. Her own highly respected column, the “Paris Report,” was published in Harper’s until 1957.

Portraits

During Anthony T. Mazzola’s tenure as editor-in-chief from 1972 to 1992, celebrity portraits came to dominate the covers of Harper’s Bazaar. Tightly framed headshots by Francesco Scavullo, Albert Watson, Marco Glaviano, Rico Puhlmann, Bob Stone or Steve Schapiro honed in on the details of a face. From Farrah Fawcett to Joan Collins, Lisa Bonet, Brooke Shields, Cybill Shepherd, Sophia Loren, Andie MacDowell and Isabella Rossellini, actresses and models radiated in full glory on the covers of Bazaar.

Following in a long figurative tradition, these cover portraits ushered in a representational style that is still the predominant standard for glossy magazines. They have something of the high-society portrait, given the fame of their subjects, and of the family portrait for their intimacy; they are also related to devotional paintings for the model of femininity they convey. The “baroque” elements of the disco years implied an openness to the sacred, the divine, the diva... and the star system conquered the world of fashion. Madonna made her first appearance on the cover of Harper’s Bazaar in 1988, while satin, lame and dramatic evening gowns came to dominate the haute couture of the period, whose inaccessibility only added to its popular appeal.

Diana Vreeland

C’est en la voyant danser, habillée en Chanel, à l’hôtel St. Regis à

New York, que Carmel Snow remarque Diana Vreeland et lui propose dès 1936 de devenir chroniqueuse. Dans sa rubrique

« Why don’t you ? » publiée jusque dans les années 1940, elle donne libre cours à sa fantaisie et à son sens de l’humour et de la formule. Rédactrice de mode pour Harper’s Bazaar en 1939, elle y fait un travail remarquable de stylisme photographique en contribuant aux choix des mannequins, des accessoires et des lieux de prises de vue. Diana Vreeland repère ainsi de nouveaux visages, comme Lauren Bacall en 1943, et ouvre à la silhouette de mode de nouveaux horizons. La photographe Louise Dahl-Wolfe capture ces paysages et restitue en pellicule couleur les tons chauds de sable ou de peau bronzée. Ils conviennent particulièrement aux tenues sport ou de jour portées au grand air, notamment aux collections de mode américaine qui remplacent dans les pages d’Harper’s Bazaar les créations parisiennes pendant toute la guerre. La mode du bikini ou du jeans est vraisemblablement liée à la sensibilité de Diana Vreeland à la lumière solaire ! Les couleurs génèrent chez elle toutes sortes de slogans, comme dans la séquence « Think Pink » du film Funny Face en 1957, inspirée de Harper’s Bazaar et qui semble sortie de son imagination.

Portrait

Sous la direction artistique d’Anthony T. Mazzola de 1972 à 1992, les couvertures d’Harper’s Bazaar sont très souvent dédiées aux portraits de célébrités. Les clichés, crédités Francesco Scavullo, Albert Watson, Marco Glaviano, Rico Puhlmann, Bob Stone ou Steve Schapiro, montrent le visage cadré au plus près, scruté par l’objectif. Farrah Fawcett, Joan Collins, Lisa Bonet, Brooke Shields, Cybill Shepherd, Sophia Loren, Andie MacDowell, Isabella Rossellini y réfléchissent leur beauté d’actrice et ou de modèle.

Ces portraits en couverture, qui instaurent un genre de représentation encore dominant aujourd’hui dans les kiosques, sont l’aboutissement d’une histoire de la figuration. Ils tiennent du portrait mondain par la notoriété du sujet, du portrait de famille par leur proximité et s’apparentent en outre aux tableaux de dévotion, véhiculant un certain idéal de féminité. Les années disco ont une tendance baroque qui implique une ouverture au sacré, au divin et aux divas. Le star-system conquiert le système de mode. Madonna paraît en couverture dès 1988. Satin, lamé, tenue du soir théâtrale caractérisent la haute couture de l’époque, d’autant plus populaire qu’elle est inaccessible.

Art

À partir des années 1930, Harper’s Bazaar s’impose comme un foyer artistique, un lieu de véritables rencontres culturelles, invitant les artistes à figurer dans ses pages ou à contribuer aux articles sur l’art ou la mode. Les œuvres d’art sont reproduites en pleine page ou en arrière-plan des photographies de mode. S’y côtoient aussi portraits d’artistes et articles de fond sur l’actualité culturelle : en 1952, le portrait de Francis Bacon par Bill Brandt apparaît face à une de ses études d’après le Portrait du pape Innocent X par Vélasquez ; la photographie de Jackson Pollock par Hans Namuth illustre le texte du critique Clement Greenberg. L’année suivante, Peter Blake écrit sur la Cité radieuse de Le Corbusier, photographiée par Brassaï. Jean Genet rend hommage en 1962 à Alberto Giacometti portraituré par Robert Frank. Par ces proximités artistiques, Harper’s Bazaar valorise l’image photographique en tant qu’œuvre d'art. Quand Marvin Israel, directeur artistique au début des années 1960, convie les photographes Lee Friedlander et Diane Arbus à réaliser des « essais photographiques » sans texte, le magazine tient un rôle de précurseur dans la reconnaissance du médium en tant que forme artistique. Cependant, encore à cette époque, la considération esthétique de la mode et de la photographie de mode reste à affirmer.

Fabien Baron

Fabien Baron joined Harper’s Bazaar as creative director in 1992. He began by introducing a new, customized typeface, HTF Didot. A fashion feature called Wild, with Kate Moss photographed by Patrick Demarchelier, was introduced in the December issue by a headline made up of the overlapping letters that soon became part of his signature style.

Aiming to create “the best possible magazine,” Liz Tilberis and Fabien Baron worked together to promote a “philosophy” rather than a “formula”; from one issue to the next, they developed a style that reflected their view of modern elegance at a time when Harper’s Bazaar was basking in the aura of the top models, at the peak of their fame.

The covers, most of which were shot by Patrick Demarchelier, featured colorful, luminous portraits that stood out against a white background, while Peter Lindbergh’s fashion stories took a more realistic tone. Bold colors, sumptuous black and white and sharp lettering all contributed to a high quality stylization that was the antithesis of the contemporary vogue for grunge.

Signs and symbols

In 1929, Harper’s Bazaar conformed to the American spelling by adding an extra “a” to the word Bazar.

Madeleine Vionnet’s designs, composed from simple geometric shapes, like classical drapery, were showcased in style in Harper’s Bazaar. Illustrators Reynaldo Luza, Dynevor Rhys and photographers Adolphe de Meyer, Harry Meerson, George Hoyningen-Huene and Man Ray transcribed the classical beauty and extraordinary sensuality of her creations, the result of highly rational production methods involving the use of photography as a tool.

Harper's Bazaar shifted toward surrealism in the mid-1930s. Elsa Schiaparelli’s designs reflected her taste for the bizarre, while Cassandre’s covers were like rebus puzzles. Man Ray produced richly symbolic photomontages and, in 1937, created the magazine’s first photographic cover: a woman’s hand resting on a celestial globe.

Jean-Paul Goude

Jean-Paul Goude’s artistic vocation was influenced by Harper’s Bazaar: “What really mattered to me, aside from my favorite illustrators, was the elegance of the layout, the blend of text and images in certain American magazines—Esquire, first of all, for its covers; and Harper’s Bazaar, which I devoured. Penn, Avedon, Hiro, all those photographers for whom fashion was a starting point and whose every composition radiates elegance and glamor.”

In December 2003, Goude produced his first fashion series for Bazaar: “An Haute-Couture Fantasy,” featuring Christian Lacroix, John Galliano, Valentino, Emanuel Ungaro, Jean Paul Gaultier, Donatella Versace, Alexander McQueen and Karl Lagerfeld. As if to give readers a behind-the-scenes view of what goes into a fashion project, Bazaar creative director Stephen Gan and Goude himself make a sneak appearance in the photo of Lagerfeld holding Linda Evangelista aloft. Other campaigns followed for Harper’s Bazaar: the 2009 “Wild Things” series, famous for the photo of Naomi Campbell racing a cheetah, and the 2015 “Icons” series, inspired by female archetypes such as Diana Vreeland.

Hiro

Japanese photographer Yasuhiro Wakabayashi, aka Hiro, arrived in New York in 1954 and was hired as Avedon’s assistant in 1957. He worked under exclusive contract for Harper’s Bazaar from 1958 to 1971, exploring a range of techniques with a preference for wide angles, backlighting from the floor, multi-exposures, and flash and halo effects. Jacques Henri Lartigue attended one of Hiro’s shootings and captured the process in photographs of his own, showing how Hiro adopted unusual angles such as steep high-angle shots. He broke with the traditional full-length figure, using foreshortening to blend the prints together into a single ornamental surface, confusing the contours of the body. His artistic vision coincided with the oriental and floral inspiration of the hippy, folksy, psychedelic trends and heralded the deconstruction movement in Japanese fashion design.

Hiro’s photos of high jewelry pieces allowed him to experiment with close-up body shots, using distortion, zoom-ins and glare to capture the translucency and brilliance of colored gemstones.

Identity

“There is something necessary about retaining your ability to dream of a better life and a better future,” said Harper’s Bazaar

editor-in-chief Glenda Bailey in January 2020, reminding us that, “over the past 153 years, Bazaar has not been one magazine but a series of many different ones, all of them shaped by and shaping their own decades and eras. To this day, the groundbreaking work of Booth, Snow, Brodovitch, Vreeland, Nancy White, Henry Wolf, Tony Mazzola, Liz Tilberis, Fabien Baron and so many other editors, art directors, photographers, stylists and writers who have contributed to Bazaar, continues to influence not just the magazine, but the way we look at, think about, and talk about fashion.”

Jean-Paul Goude

Harper’s Bazaar a contribué à la vocation artistique de Jean-Paul Goude : « Ce qui comptait vraiment à mes yeux, outre mes dessinateurs favoris, c’était l’élégance des mises en page, la combinaison texte et images de certains magazines américains – Esquire en premier lieu, pour ses couvertures, et Harper’s Bazaar que je dévorais ; Penn, Avedon, Hiro, tous ces photographes pour lesquels la mode était un point de départ et dont les moindres compositions irradiaient d’élégance et de glamour. » En décembre 2003, il réalise sa première série mode pour Harper’s Bazaar, « An Haute-Couture Fantasy », présentant Christian Lacroix, John Galliano, Valentino, Emanuel Ungaro, Jean Paul Gaultier, Donatella Versace, Alexander McQueen et Karl Lagerfeld. Jean-Paul Goude et Stephen Gan s’immiscent dans le cliché où le couturier joue avec Linda Evangelista, dévoilant ainsi au lecteur l’envers du décor, le making of de la mode. Succèdent d’autres campagnes pour Harper’s Bazaar : la série « Wild Things » en 2009 fameuse pour sa course de Naomi Campbell et d’une panthère, ou la série « Icons » en 2015 inspirée d’archétypes féminins, dont Diana Vreeland.

Fabien Baron

En 1992, Fabien Baron rejoint Harper’s Bazaar comme directeur artistique. Il commande une nouvelle police de caractères, la HTF Didot, qui modernise la précédente. Dès le numéro de décembre, le reportage de mode Wild, par Patrick Demarchelier, avec Kate Moss, est introduit par une composition-titre faite de lettres enchevêtrées. Très vite ce procédé devient une forme de signature.

Cherchant à faire « le meilleur magazine possible », Liz Tilberis et Fabien Baron travaillent moins au nom d’une formule que d’une « philosophie », dont l’expression esthétique se développe, numéro après numéro, pour illustrer la conception de l’élégance moderne. Les couvertures, souvent confiées à Patrick Demarchelier, représentent des portraits en couleurs, lumineux, se détachant sur fonds immaculés, tandis que les reportages de Peter Lindbergh offrent un grain plus réaliste. Couleurs tranchées ou noirs et blancs somptueux, lettrages acérés, relèvent d’une stylisation exigeante, ennemie du grunge. Harper’s Bazaar rayonne en outre de l’aura des top models, alors au faîte de leur gloire.

New Look

Dès l’hiver 1944, Carmel Snow revient à Paris. Elle rencontre Henri Cartier-Bresson et lui commande un premier reportage ; il devient un collaborateur régulier du magazine, portraiturant par exemple, en juillet 1946, Christian Dior, que Carmel Snow décrit affectueusement comme un « homme timide, effacé, le moins capricieux des créateurs. Avant la guerre, il a commencé à vendre des peintures dans une galerie d’art avec Pierre Colle, échoua, puis se lança dans la conception de robes, d’abord chez Piguet et maintenant chez Lelong ».

En février 1947, Snow saisit parfaitement le « New Look » de la première collection de Dior, et c’est ainsi qu’elle baptise le style dominant l’après-guerre. L’expression deviendra historique.

Ses lignes « Corolle » et « En 8 » affirment la primauté du dessin en conformant la silhouette à un galbe provocateur et romantique à la fois : épaules abaissées, taille fine, poitrine et hanches stylisées, jupes évasées.

Carmel Snow, qui a contribué à valoriser la femme-soldat, est sensible à la rupture de style qu’instaure la femme-fleur de Dior. Elle confie son interprétation photographique à Louise Dahl-Wolf, puis au jeune Richard Avedon. Christian Dior, dessinateur et styliste, trouve dans leurs travaux l’écho amplifié de son travail graphique.

Liz Tilberis

Liz Tilberis est nommée rédactrice en chef de Harper’s Bazaar en 1992, après avoir passé vingt ans à Vogue UK, dont quatre en tant qu’éditrice en chef. Elle inaugure « l’ère de l’élégance », avec une couverture montrant Linda Evangelista retenant dans sa main un A de Bazaar. Référence à la couverture de décembre 1959, signée Richard Avedon, il s’agit pour Liz de restaurer « l’élégance – de l’esprit autant que l’apparence ». Elle s’entoure de Fabien Baron pour la direction artistique, de Patrick Demarchelier et Peter Lindbergh pour la photographie, rejoints plus tard par David Sims, Craig McDean et Terry Richardson. Prônant « un goût affirmé, une identité forte et équilibrée », Harper’s Bazaar se recentre sur l’image de New York et fait la part belle aux créateurs américains Calvin Klein, Donna Karan, ou italiens, tels Giorgio Armani et Gianni Versace. Liz initie aussi un stylisme, qui ose l’éclectisme, en associant plusieurs marques en une seule silhouette. Le succès est total. Quand Liz Tilberis décède d’un cancer des ovaires en 1999, ses collaborateurs lui rendent hommage dans le numéro de juillet, devenu historique, le White Album.

Art

Harper’s Bazaar became an artistic hub from the 1930s on—a place of cultural exchange, where artists were invited to feature in its pages or contribute to its articles on art and fashion. Works of art were given full-page display or appeared in the background of fashion shoots. The magazine ran portraits of artists and in-depth articles on the latest cultural news: in 1952, Bill Brandt’s portrait of Francis Bacon was featured opposite Bacon’s painting Study after Velázquez’s Portrait of Pope Innocent X, and Hans Namuth’s photograph of Jackson Pollock was used to illustrate a text by art critic Clement Greenberg. The following year, Peter Blake authored an article on Le Corbusier’s “Cité Radieuse,” photographed by Brassaï. And in 1962, Jean Genet wrote a text in praise of Alberto Giacometti, with a portrait photograph by Robert Frank. With these artistic interconnections, Harper’s Bazaar valorized the photograph as an artwork. When Marvin Israel, art director in the early 1960s, commissioned the photographers Lee Friedlander and Diane Arbus for wordless “photographic essays,” the magazine was playing a seminal role in getting photography recognized as an art form… but aesthetic regard for fashion and fashion photography had yet to be achieved.

The Harper’s tradition

The “fashion figure” that has come into being in the over 150-year history of Harper’s Bazaar is now animated, personified and heroized on the magazine cover, while the inside pages feature superb photo campaigns with recurring themes that reflect the artistic legacy of the past: nature (plants and animals), artistic and cultural references, epic sagas and images of space evoke traditional compositions such as landscapes, portraits, history and mythology paintings. By adding to this imagery, Harper’s Bazaar is following in the fine art tradition, promoting its significance in everyday life. As “A Repository of Fashion, Pleasure and Instruction,” it influences consumer behavior and attitudes while preserving a visual formality that guides our view of nature, ourselves, others and the unknown.

Peter Lindbergh

À partir de 1992, Peter Lindbergh devient le photographe phare du magazine. Ses photographies, le plus souvent en noir et blanc, tranchent avec la rutilance et la vision rapprochée de la décennie précédente. N’hésitant pas à se distancer de son sujet, refusant le littéral, il montre des silhouettes de mode dans New York, sur des plages ou dans le Grand Ouest. Mis en page par Fabien Baron, ses clichés composent de véritables « fashion stories ». L’élégance des années 1940, le cinéma expressionniste ou réaliste inspirent ses portraits de super modèles : Kate Moss pose en salopette en 1994, sans maquillage apparent, comme une héroïne de John Steinbeck ou une figure d’August Sander. La séquence photographique Angel, avec Amber Valletta, évoque Les Ailes du désir de son ami Wim Wenders. Par sa vision, New York s’impose comme une ville de mode, où survit un accent de la vieille Mitteleuropa. Ses contrastes appuyés et une forme d’ascétisme s’accordent à l’austérité des créations de Jil Sander et au minimalisme d’Helmut Lang. Le classicisme des images de Peter Lindbergh échappe à la prescription d’une mode, il marque l’esthétique et l’attitude de toute une génération.

Avedon-Balenciaga

Dès 1938, Carmel Snow célèbre les créations de Cristóbal Balenciaga : « La meilleure école est la nouvelle maison espagnole, Balenciaga. Le noir est si noir qu’il vous porte un coup. » Harper’s Bazaar accorde tous les honneurs au « plus élégant couturier du monde » (1950), au « couturier du moment et du futur » (1955) qui habille sa rédactrice en chef. Les photographies de Richard Avedon soulignent la dimension architecturale de ses créations auxquelles répondent des mises en page très franches d’Alexey Brodovitch. Le goût de l’épure caractérise les images d’Avedon prises en studio, jouant avec l’amplitude et l’abstraction des volumes au service de la silhouette et du visage. Dès 1954, Hubert de Givenchy, disciple du couturier espagnol, est considéré par Snow comme l’un des plus grands couturiers. Il habille Audrey Hepburn dans Funny Face en 1957 et c’est Avedon qui est chargé de réaliser, entre autres contributions au film, les arrêts sur image (freeze frame). La comédie raconte les débuts d’un jeune mannequin et s’inspire du fonctionnement d’Harper’s Bazaar. Audrey Hepburn résume le dynamisme de la silhouette de mode du moment : juvénile, élégante et presque prête à tout. Son portrait par Avedon paraît en couverture. C’est la première fois que le magazine prend ainsi le visage d’une actrice.

Glenda Bailey

Glenda Bailey became editor-in-chief of Harper’s Bazaar in 2001, taking over from Katherine Betts, who had succeeded Liz Tilberis. Bailey’s declared intention was for “Bazaar to be a party that everyone is invited to.” She appointed Stephen Gan creative director and commissioned stunning photographic compositions shot through with splendor, humor and fantasy. She also heightened the iconic aura of the cult-status covers, distinguishing between subscriber issues and newsstand copies and proposing a range of different cover shots for the 150th anniversary issue, reasserting the identity of Harper’s Bazaar and perpetuating its heritage: “As the editor of Bazaar, you’re not only standing on the shoulders of giants, but [of] giants upon giants.” The February 2002 cover, featuring Gisele Bündchen photographed by Patrick Demarchelier, is a reminder that Harper’s Bazaar has been dedicated to women and fashion since 1867.

Glenda Bailey hired top photographers—including Mario Sorrenti, Sølve Sundsbø, Camilla Åkrans, Txema Yeste, Mariano Vivanco and Simon Procter—to glorify the “eternal feminine” under design director Elizabeth Hummer.

Paris

Carmel Snow, convinced that France would make a great comeback, paid great attention to the French art scene, while her own columns took a new look at the capital’s charms. Paris fashion shots were no longer limited to smart interiors, elegant parks and aristocratic avenues; instead, grimy facades, riverbanks, the old Marais quarter and dilapidated storefronts created a more bohemian feel. But whether glitzy or grimy, the rediscovered luxury of haute couture shines through in iconic shots by Louise Dahl-Wolfe and Richard Avedon.

Richard Avedon (1923-2004) was only twenty-one when he was hired by Junior Bazaar in 1944. In 1947, he moved on to Harper’s, where he reigned over fashion photography for the next twenty years. An inventive and perfectionist artist, his photos communicated his vision of the elegant and festive Paris of his dreams. Each photo captures a time and place: the Place de la Concorde, the Pont Alexandre-III, Maxim’s, the Moulin Rouge… Aided and abetted by “the Trinity” (Snow, Brodovitch and Vreeland), Richard Avedon revolutionized fashion photography, giving each fashion shot a glamor and spirit that made their majestic mark on the double-page spread.

Changes

Carmel Snow was replaced by Nancy White in 1957, the year that Christian Dior died; Alexey Brodovitch and Louise Dahl-Wolfe left the magazine the following year. In 1962, Diana Vreeland departed for Vogue, followed by Richard Avedon in 1966. Snow died in

New York in 1961. Her dedication to Dior and Balenciaga had paved the way for the future of fashion, soon to be reinvigorated by Yves Saint Laurent (trained by Dior) and André Courrèges (trained by Balenciaga).

This period saw the arrival of Andy Warhol, first as an illustrator for Bazaar in the 1950s before being featured in the magazine as an artist.

Art director from 1958 to 1961, Henry Wolf oversaw the creation of some of the magazine’s most memorable covers, such as the one showing the model Dovima balancing on a ladder and holding the second “a” from the word Bazaar. He hired the photographer Melvin Sokolsky, creator of the iconic photo series of models floating in bubbles over Paris. Wolf was succeeded by Marvin Israel, art director from 1961 to 1963, who reinforced the magazine’s artistic identity and added a touch of daring and provocation; the young

art-director duo Ruth Ansel and Bea Feitler took over in 1963 and maintained the same spirit.

The April 1965 issue, guest edited by Richard Avedon, brought together new art forms such as Pop Art, Op Art and underground cinema, and used the “space conquest” theme to set off the immaculate, lunar-inspired designs of André Courrèges.

New Look

Carmel Snow returned to Paris in the winter of 1944. She met Henri Cartier-Bresson who, after completing a first commission for a photographic feature, became a regular contributor to the magazine. In July 1946 he photographed Christian Dior, whom Carmel Snow described affectionately as follows: “a shy, self-effacing man, the least temperamental of designers. Before the war, he started selling paintings in an art gallery with Pierre Colle, failed, then took up dress designing, first at Piguet, now at Lelong.”

In February 1947, Snow was quick to grasp the significance of Dior’s first collection, which would establish the dominant postwar style. She dubbed it “The New Look,” and the name went down in history.

Dior’s “Corolle” and “En 8” lines demonstrated the importance of drawing, shaping the silhouette into a curve that was both provocative and romantic with a low shoulder line, cinched waist, exaggerated bust and hips and a full skirt.

Carmel Snow, who had helped promote a certain idea of the woman soldier, was sensitive to the total break in style ushered in by Dior’s femme-fleur (“flower-woman”). She called on Louise Dahl-Wolf, then the young Richard Avedon, to interpret the new fashion photographically; their work extolled the designer’s skill and resonated with the artistry of Dior’s own drawings.

Saga

La silhouette de mode construite en plus de cent cinquante ans est aujourd’hui animée, personnifiée et héroïsée en couverture, tandis que les pages du magazine s’ouvrent sur des campagnes photographiques grandioses. Leurs thématiques récurrentes reflètent l’héritage académique : l’image de la nature – faune ou flore –, la référence à la culture et à l’art, l’épopée et l’espace renvoient en effet aux traditionnels formats du paysage, du portrait, de la peinture d’histoire et de mythologie. En enrichissant ces répertoires, Harper’s Bazaar prolonge la tradition des Beaux-arts, cultivant par le luxe sa portée dans la vie quotidienne.

« Recueil de mode, plaisir et instruction », Harper’s Bazaar est prescripteur de consommations ou d’attitudes et il est le gardien d’un formalisme visuel guidant notre regard sur la nature, nous-mêmes, l’autre, et l’inconnu.

Paris

Convaincue que la France doit faire son grand retour, Carmel Snow accorde une attention soutenue à sa scène artistique, tandis que ses propres chroniques renouvellent le pittoresque parisien. Ce ne sont plus seulement les beaux intérieurs, le Bois ou les belles avenues qui servent d’arrière-plan à la mode. Façades noircies, quais, quartier du Marais et vieilles boutiques offrent leur charme bohème. Sous les ors ou sur le pavé, la couture rayonne de son luxe retrouvé par des clichés désormais célèbres, signés Louise Dahl-Wolfe ou Richard Avedon.

Richard Avedon (1923-2004) n’a que vingt et un ans quand il est engagé par Junior Bazaar en 1944. À partir de 1947 et pendant vingt ans, il règne sur la photographie de mode dans Harper's Bazaar. Inventeur et perfectionniste, il communique sa vision d’un Paris fantasmé, élégant et festif. Chaque cliché est un moment construit, place de la Concorde, pont Alexandre-III, chez Maxim’s, au Moulin-Rouge par exemple. Sous l’influence de ce qu’il nomme « la Trinité » (Snow, Brodovitch, Vreeland), Avedon révolutionne la photographie de mode en faisant de chaque silhouette une empreinte chorégraphique et romanesque imposant à la double page sa majesté.

Glenda Bailey

Rédactrice en chef de Harper’s Bazaar depuis 2001, Glenda Bailey succède à Katherine Betts qui a remplacé Liz Tilberis. Elle emploie Stephen Gan à la direction artistique et commande de grandes compositions photographiques où les maîtres-mots sont le faste, l’humour et le merveilleux, déclarant : « J’aime à penser que Bazaar est comme une fête à laquelle tout le monde est convié. » Elle renforce le caractère emblématique des couvertures, véritables objets de culte, créant une distinction entre celles destinées aux abonnés et celles en kiosque, proposant, pour le numéro anniversaire des cent cinquante ans plusieurs visuels différents. Les couvertures réaffirment l’identité de Bazaar dont Glenda Bailey défend l’héritage historique iconique. « Une rédactrice en chef ne s’appuie pas simplement sur des épaules de géants mais sur celles de géants qui s’appuient eux-mêmes sur des géants. » La couverture de février 2002 avec Gisele Bündchen photographiée par Patrick Demarchelier rappelle qu’Harper’s Bazaar se consacre à la femme depuis 1867.

Glenda Bailey s’entoure de grands photographes tels Mario Sorrenti, Sølve Sundsbø, Camilla Åkrans, Txema Yeste, Mariano Vivanco ou Simon Procter pour magnifier l’éternel féminin, mis en page par Elizabeth Hummer.

Liz Tilberis

Liz Tilberis was appointed editor-in-chief of Harper’s Bazaar in 1992 after twenty years at British Vogue (including four as editor). She inaugurated “the Era of Elegance” with a cover showing Linda Evangelista catching the second “a” of Bazaar in her hand—a nod to Richard Avedon’s famous cover of December 1959. Liz’s goal was to restore “elegance—of mind as much as of appearance.” She teamed up with creative director Fabien Baron and photographers Patrick Demarchelier and Peter Lindbergh, later joined by David Sims, Craig McDean and Terry Richardson. Advocating “certainty of taste, a balanced and centered identity,” Harper’s Bazaar focused on the image of New York, showcasing American designers such as Calvin Klein and Donna Karan and Italians such as Giorgio Armani and Gianni Versace. Liz also introduced a bold and eclectic stylishness, mixing and matching different brands. Her tenure at the magazine was a resounding success, and when she died of ovarian cancer in 1999, the July issue of Harper’s featured the historic “White Album” as a tribute to its remarkable editor-in-chief.

Mutation

En 1957, alors que Christian Dior s’éteint, Carmel Snow est remplacée par Nancy White ; l’année suivante, Alexey Brodovitch quitte le magazine, Louise Dahl-Wolfe aussi, précédant le départ de Diana Vreeland pour Vogue en 1962, suivie par Richard Avedon en 1966. En 1961, Snow décède à New York. Son engagement à l’égard de Dior et de Balenciaga a prédit l’avenir de la couture, dont la renaissance est bientôt assurée par Yves Saint Laurent, formé chez Dior, et par André Courrèges, formé chez Balenciaga.

Cette période voit l’avènement d’Andy Warhol, d’abord illustrateur dans Bazaar dans les années 1950, avant d’y apparaître ensuite en tant qu’artiste.

Directeur artistique de 1958 à 1961, Henry Wolf est à l’origine de couvertures mémorables, dont celle montrant le mannequin Dovima sur une échelle décrochant le second A de Bazaar. Il emploie (date ?) Melvin Sokolsky, auteur des images iconiques de mannequins dans des bulles. Son successeur Marvin Israel, de 1961 à 1963, affirme l’orientation artistique du magazine ; le duo formé en 1963 par les très jeunes directrices artistiques Ruth Ansel et Bea Feitler s’inscrit dans cette continuité, teintée de provocation et d’audace.

Le numéro d’avril 1965, uniquement composé par Avedon, fait la synthèse de nouvelles expressions : Pop Art et Op Art, cinéma underground…, le thème de la conquête spatiale répond à la vision lunaire et virginale de la femme chez Courrèges.

Mary-Louise Booth

In 1867, the Harper brothers—founders of Harper & Brothers Publishers—decided to launch a fashion weekly along the lines of the Berlin-based Der Bazar magazine. Their choice of editor fell on Mary Louise Booth. A supporter of women’s suffrage and an abolitionist who took up the Union cause during the American Civil War, Miss Booth was also a historian and a self-taught French scholar who translated works by Blaise Pascal and George Sand, histories of France and essays on the emergence of the American nation and the question of slavery. Her patriotism, pioneering feminism and love of all things French were the ingredients of the Harper’s Bazar style, which promoted the art of good living, literary and artistic expression, and the idea of social progress. Until her death in 1889, the magazine was a reflection of her personality. The first issue, published in November 1867, soon followed by a short story by Charles Dickens and Wilkie Collins. Sales reach 80,000 copies in just in three weeks. Miss Booth became one of the best paid women of her time.

Harper’s Bazar showcased the latest Paris fashions—especially the haute couture creations of Charles Frederick Worth, which regularly graced the covers and illustrated pages.

Mary-Louise Booth

En 1867, les frères Harper du groupe de presse Harper & Brothers décident de lancer un hebdomadaire de mode à l’image du magazine berlinois Der Bazar. Ils en confient la rédaction à Mary Louise Booth. Francophile et germanophile, cette historienne est suffragiste, abolitionniste, engagée pour l’Union pendant la guerre civile. Elle s’est formée en traduisant Blaise Pascal, George Sand, des ouvrages sur l’histoire de France, ainsi que des essais sur les questions de l’esclavage et de l’émergence de la puissance américaine. Son féminisme avant la lettre, son patriotisme et son amour de la France sont les ingrédients du style Harper’s Bazar, qui allie d’emblée art de vivre, expression littéraire et artistique et notion de progrès social. Le premier numéro de Harper’s Bazar paraît en novembre 1867, bientôt suivi d'une nouvelle de Charles Dickens et de W. Wilkie Collins. Il atteint un tirage de 80 000 exemplaires en trois semaines.

Miss Booth compte parmi les femmes les mieux payées de son temps. Elle tient salon et reçoit les intellectuels. Jusqu’à sa mort en 1889, le magazine est à l’image de sa personnalité.

Relais des dernières modes parisiennes, Harper’s Bazar fait notamment écho aux luxueuses créations du couturier Charles Frederick Worth qui bénéficient d’un retentissement immédiat et systématique dans les pages illustrées et en couverture.

The Almanac

Since its launch in 1867, Harper's Bazaar has had a significant impact on the perception of fashion. Before observing how things have changed, we should remember that fashion plates did not originate with Bazaar; already widely circulated in the nineteenth century, they first appeared in eighteenth-century gazettes, heirs to a representational tradition dating back to the early days of printing. Fashion images depend on mass production, but also need to be associated with a season, cycle or period. This notion of time was central to incunabula—the first books printed in the fifteenth century—which aimed to encapsulate universal knowledge; although in principle unrelated to fashion, they presented the movements of the planets, their earthly and celestial effects, their symbolic or prophetic meanings. The shepherd’s almanacs of the sixteenth century—best sellers in their day—featured the same concepts and were illustrated with the first plates depicting figures in civilian dress. The circulation of almanacs influenced other iconographic media—such as a Flemish tapestry dating from the 1510s, which had pride of place in Christian Dior’s drawing room in the 1950s. The figures in this hanging, called L’Astronomie, personify the interpretation of the planets’ movements.

Symbolism

After Mary Louise Booth, Harper's Bazar was edited by two literary women—Margaret Sangster from 1889 to 1900, and Elizabeth Jordan until 1913. They both upheld the original spirit of the magazine, which continued to give prominence to literature and published texts by authors such as Henry James, Mark Twain and Edith Wyatt. The notion of artistic unity, inspired by the

Pre-Raphaelite aesthetic (much admired by Mary L. Booth) influenced the British, American and French illustrators of Harper’s Bazar, whose work embraced a range of applied arts from furniture to jewelry. The magazine’s covers became an expressive medium in their own right, acquiring a symbolism that developed into a long lasting trend, with graphic compositions featuring tuberoses, armor and angels’ wings—an imagery inspired by heraldic culture and references to chivalry.

In 1901, Harper’s Bazaar became a monthly rather than weekly publication.

Littérature

Très tôt, la littérature tient une place importante dans Harper’s Bazaar. Le rôle du fiction editor, tenu par George Davis dans les années 1930, est essentiel. En 1944, Mary Louise Aswell, qui lui succède, réunit une anthologie de textes de femmes publiés dans le magazine : Anita Loos, Colette, Virginia Woolf, Dorothy Parker... En 1946, Carmel Snow nomme Marie-Louise Bousquet éditrice du Bazaar parisien, rappelant l’analogie du magazine avec le salon littéraire, à l’image de celui même que tenait Marie-Louise Bousquet accueillant André Gide, Marcel Aymé, Jean Cocteau, Christian Bérard, le compositeur Ned Rorem, Henri Cartier-Bresson, Christian Dior...

Ainsi, Simone de Beauvoir, Vladimir Nabokov, Aldous Huxley, Samuel Beckett, Raymond Queneau ou encore Henry Miller, Jean-Paul Sartre, Yukio Mishima et William Burroughs ont été publiés dans les pages du Harper’s Bazaar. Mises en page et illustrations soulignent à chaque fois l’originalité de l’écriture. Dans les années 1940, le magazine porte au monde les talents de deux jeunes auteurs américains, Carson McCullers et Truman Capote. Dans Harper’s Bazaar, la proximité avec des personnages de fiction communique à la silhouette de mode une allure d’« héroïne » – titre de la première nouvelle de Patricia Highsmith parue dans le magazine en 1945.

Symbolisme

Après Mary Booth Louise, la direction de Harper's Bazar est assurée par deux femmes de lettres, Margaret Sangster de 1889 à 1900, puis Elizabeth Jordan jusqu’en 1913, elles restent fidèles à l’esprit des origines. La littérature occupe toujours une place de choix avec les textes d’auteurs tels que Henry James, Mark Twain ou encore Edith Wyatt. La notion d’unité de l’art héritée du préraphaélisme – dont Mary L. Booth était une fervente enthousiaste – inspire les illustrateurs anglais, américains ou français de Harper’s Bazar qui embrassent souvent diverses formes d’arts appliqués au mobilier et à la parure. La couverture du magazine s’impose comme un support d’expression. Les compositions graphiques mêlent tubéreuses, armures et ailes d’archanges selon une iconographie nourrie de culture héraldique et de références à la chevalerie, vouant durablement les couvertures au symbolisme.

À partir de 1901, le magazine, auparavant hebdomadaire, devient mensuel.

Icons

Press magnate William Randolph Hearst bought Harper’s Bazar in 1913. Two years later, he signed an exclusive contract with Russian-born artist Romain de Tirtoff (aka Erté), whose designs—often framed by circles—graced the magazine’s covers for the next twenty years. Erté, an illustrator and a stage and costume designer, drew much of his initial inspiration from Léon Bakst and the Ballets Russes, whose orientalism also recalls the Paul Poiret designs that were often featured in the magazine, paving the way for Art Deco.

Color illustration reigned supreme on the covers, but was gradually rivaled by photography on the inside pages, particularly after Baron Adolphe de Meyer’s appointment as Harper’s first chief photographer in 1923. For the next ten years, his expressionistic images showed women as evanescent creatures, hovering between light and shade. This photographic aesthetic, which inspired the movie vamp, dictated a fashion dominated by black and white, as sparkling as the Cartier tiaras that dazzled the heroines of the Anita Loos novel Gentlemen Prefer Blondes, serialized in Harper’s Bazar in 1925.

Carmel Snow

L’arrivée de Carmel Snow (1887-1961) en tant que rédactrice en chef en 1934 constitue une étape clé dans l’histoire du magazine. Elle engage le photoreporter Martin Munkácsi, dont la photographie instantanée retranscrit une mode dynamique, saisie sur le vif, sans artifice. Férue de culture européenne, elle s’entoure du décorateur Christian Bérard, des peintres et illustrateurs Marcel Vertès, Jean et Valentine Hugo, Marc Chagall, Raoul Dufy, Leonor Fini... Harper’s Bazaar est le lieu de rencontre du Tout-Paris : Kees Van Dongen, Jean Cocteau, Elsa Schiaparelli, Salvador Dali, Colette, Gertrude Stein ou encore la journaliste du New Yorker Janet Flanner, dit Genêt. Selon Richard Avedon, Carmel Snow est « la première à créer ce mélange des arts et de la photographie, le meilleur en termes d’élégance et de qualité ».

Elle confie en 1934 la direction artistique à Alexey Brodovitch. Harper's Bazaar acquiert une identité intellectuelle et visuelle unique. Le magazine est dédié, selon Snow, « aux femmes bien mises et à l’esprit bien fait ». Elle occupe la place d’honneur lors des défilés parisiens. Ses chroniques de mode sous le titre de « Paris Report » jusqu’en 1957 font autorité.

Avedon-Balenciaga

In 1938, Carmel Snow turned the spotlight on Cristóbal Balenciaga: “The best school is the new Spanish house Balenciaga. The black is so black that it hits you like a blow.” Harper’s Bazaar was lavish in its praise of “the most elegant couturier in the world” (1950), the “couturier of the moment and the future” (1955), who dressed Snow herself. Richard Avedon’s photos—enhanced by Alexey Brodovitch’s clean-cut layouts—emphasized the architectural aspect of Balenciaga’s designs. Avedon’s studio shots are characterized by his elimination of the superfluous, the better to focus on the face and figure. In 1954, Carmel Snow designated Hubert de Givenchy, a great admirer of Balenciaga, as one of the greatest couturiers. Givenchy dressed Audrey Hepburn for the 1957 musical comedy Funny Face and Avedon’s (considerable) contribution to the movie included the creation of the stills used for the photo shoots of Audrey Hepburn in Paris. Inspired by life at Harper’s Bazaar, the story follows the adventures of a young fashion model played by the vivacious Audrey Hepburn, who embodied the fashion of the day: young, elegant and free-spirited. Avedon’s 1956 portrait of Audrey on the front of Bazaar was the first time an actress had hit the cover of the magazine.

Literature

Literature has been a primary aspect of Harper’s Bazaar since the magazine’s early days. The job of fiction editor, a position of importance, fell to George Davis in the 1930s. In 1944, his successor Mary Louise Aswell compiled an anthology of texts by female writers published in the magazine, including Anita Loos, Colette, Virginia Woolf and Dorothy Parker. Carmel Snow’s choice of Marie-Louise Bousquet as Paris editor of Harper’s Bazaar recalled the magazine’s affinity

with the literary salon tradition—Madame Bousquet hosted one such salon, frequented by such famous names as André Gide, Marcel Aymé, Jean Cocteau, Christian Bérard, the composer Ned Rorem, Henri Cartier-Bresson and Christian Dior.

Leading authors published in Harper’s Bazaar include Simone de Beauvoir, Vladimir Nabokov, Aldous Huxley, Samuel Beckett, Raymond Queneau, Henry Miller, Jean-Paul Sartre, Yukio Mishima and William Burroughs, with page layouts and illustrations underscoring the originality of the writing. In the 1940s, the magazine was among the first to publish two talented young American novelists, Carson McCullers and Truman Capote. By rubbing shoulders with fictional characters, the fashion silhouette in Harper’s Bazaar became something of a “Heroine” itself—like the title of Patricia Highsmith’s first short story, published in the magazine in 1945.

Icône

En 1913, Harper’s Bazar est racheté par le magnat de la presse William Randolph Hearst, qui passe en 1915 un contrat d’exclusivité avec le dessinateur d’origine russe Romain de Tirtoff, dit Erté. Celui-ci signe pendant vingt ans les couvertures, souvent composées en tondi.

Illustrateur, scénographe et costumier de scène, Erté est d’abord influencé par Léon Bakst et les Ballets russes, dont l’exotisme évoque aussi les créations de Paul Poiret, abondamment présentes dans le magazine avant d’évoluer ensuite vers l’Art déco.

La place de l’illustration en couleurs est incontestée en couverture, mais elle est peu à peu concurrencée dans les pages intérieures par la photographie, notamment lorsqu’en 1923 le baron Adolphe de Meyer devient le premier photographe en chef engagé par Harper’s Bazar. Ses images, dans une veine expressionniste, communiquent pendant dix ans une vision évanescente, en clair-obscur, de la femme. Cette esthétique photographique, dont s’inspire la vamp au cinéma, dicte une mode toute en noir et blanc et en brillance, à l’image des diadèmes de Cartier qui éblouissent les héroïnes des Hommes préfèrent les blondes d’Anita Loos, roman publié en feuilleton dans Harper’s Bazar en 1925.

Almanachs

Depuis 1867, Harper's Bazaar a puissamment contribué à renouveler notre vision de la mode. Avant d’aborder ses métamorphoses, il faut rappeler que cette dernière n’est pas née en 1867 : les gravures de mode, largement diffusées au xixe siècle, sont elles-mêmes les héritières des premières gazettes du xviiie siècle et celles-ci découlent d’une tradition de la figuration remontant à l’origine de l’imprimerie. La silhouette de mode implique, outre une production en série, que la vision qu’elle donne de la figure humaine soit associée à la notion de temps, de saisons, de périodes ou de cycles. Cette rythmique est au cœur des premiers livres imprimés du xve siècle. Les incunables tendent à résumer le cosmos au format du livre. Ils n’ont a priori rien à voir avec la mode, mais ils présentent des cycles astraux et expliquent leur sens terrestre, céleste, symbolique ou divinatoire. Les almanachs des bergers du xvie siècle, best-seller de l’époque, reprennent ces mêmes notions et s’ornent des premières gravures montrant des personnages en costumes civils. La diffusion de ces almanachs influence d’autres supports iconographiques, à l’exemple de cette tapisserie de Flandres des années 1510 qui était placée dans le salon du couturier Christian Dior, dans les années 1950. Les personnages de cette tenture intitulée L’Astronomie personnifient la lecture terrestre, céleste, symbolique ou divinatoire du mouvement des astres.

La période est le mot-clef de toute presse féminine.

Alexey Brodovitch

Illustrator and graphic designer Alexey Brodovitch (1898-1971) trained in Paris as a set designer for the Ballets Russes before being hired as art director for the Aux Trois Quartiers department store. He later moved on to Harper’s Bazaar, where he innovated by combining text, photography and white space. In 1936, he hired the poster artist, painter and typographer Adolphe Mouron (aka Cassandre), who created covers featuring different styles of lettering. Brodovitch was a visionary genius who saw the double-page spread as an open stage on which he could position fashion silhouettes, heightening the sense of dynamism with breaks in rhythm and changes in perspective from one page to the next.

From 1941 on, Brodovitch was also a teacher of photography at the New School for Social Research in New York. He trained many of the photographers published in Harper’s Bazaar: Irving Penn, Leslie Gill, Lisette Model, Richard Avedon, Lillian Bassman, Robert Frank, Louis Faurer, Saul Leiter, Bill Brandt, Diane Arbus, Hiro... and as it turns out, they all feature among the great names in twentieth-century photography!

Alexey Brodovitch

Formé à Paris comme décorateur pour les Ballets russes, puis directeur artistique du grand magasin Aux Trois Quartiers, Alexey Brodovitch (1898-1971) est illustrateur et graphiste. Du manuscrit au tampon encreur, il convoque dans Bazaar tout un univers d’écritures. En 1936, il fait appel à l’affichiste Adolphe Mouron, dit Cassandre, peintre et typographe, pour réaliser les couvertures qui jouent de lettrages variés. Visionnaire de génie Brodovitch assimile la double page à un espace continu pour y situer la silhouette comme sur une scène, soulignant son dynamisme par des ruptures de rythme ou de perspective entre les pages.

Enseignant à la New School for Social Research à New York à partir de 1941, Brodovitch forme nombre de photographes publiés dans Harper’s Bazaar : Irving Penn, Leslie Gill, Lisette Model, Richard Avedon, Lillian Bassman, Robert Frank, Louis Faurer, Saul Leiter, Bill Brandt, Diane Arbus, Hiro... Force est de constater que tous figurent parmi les grands noms de la photographie du

xxe siècle.

Identité

« Il est indispensable de pouvoir continuer à rêver d’une vie meilleure et de lendemains heureux », déclare Glenda Bailey en 2020, rédactrice en chef, rappelant que « depuis cent cinquante-trois ans, Bazaar n’a pas été un magazine, mais une suite de magazines, tous façonnés par leur époque et façonnant leur époque. À ce jour, les innovations introduites par Booth, Snow, Brodovitch, Vreeland, Nancy White, Henry Wolf, Anthony T. Mazzola, Liz Tilberis, Fabien Baron et tant d’autres rédacteurs en chef, directeurs artistiques, photographes, stylistes et auteurs de Bazaar continuent d’influencer non seulement le magazine, mais également la façon dont nous voyons la mode, dont nous y pensons, dont nous en parlons ».